Mundo da Música

A pegadinha de Fritz Kreisler

O vienense Fritz Kreisler (1875-1962) foi um dos maiores violinistas que o mundo já conheceu e suas criações "Liebesleide" (Sofrimento de amor), e "Liebesfreude" (Alegria de amor), são as mais executadas e conhecidas do público.
A história de seu sucesso gerou uma controvérsia, ou uma verdadeira anedota, que serviu para "pegar" grande número de críticos e "pretensos entendidos" em reconhecer estilos de compositores famosos do passado, no caso presente, do período barroco.
Nos primeiros anos de sua carreira como era ainda desconhecido, e não tendo condições de tocar seu repertório num concerto, Fritz Kreisler dava então recitais em pequenas salas onde apresentava suas próprias composições. Entretanto, havia o problema da repetição infindável de seu nome no programa e, como ele mesmo afirmava, "ninguém queria vir e ouvir suas criações musicais".
Então, para variar, Kreisler executava obras de sua lavra que eram imitações perfeitas e congeniais do estilo violinístico do "Rococó", obras essas a que dava denominações como "no estilo de" Pugnani, Cartier, Pórpora, Couperin, Bocherini e outros. Dessa forma, essas peças eram ouvidas e interpretadas com entusiasmo por seus colegas, pois suas transcrições e composições expressavam o encanto e o gênio de uma notável personalidade musical.

A DESCOBERTA DA FRAUDE
Durante muitos anos, Kreisler esperou com paciência que os "críticos" e musicólogos", todos aceitando suas "fraudes", despertassem do erro e reconhecessem seu talento. As obras sob a égide daqueles nomes famosos acrescentados a elas, tornaram-se tão populares que Kreisler não teve outra saída senão publicá-las tais quais eram.
Entretanto, o "esperto" compositor colocou em muitas cópias das partituras, uma nota bem evidente onde estava escrito seu nome por extenso. Finalmente o grande mestre Vincent D"Indy observou que uma peça executada como de Pugnani, não obedecia fielmente ao estilo desse compositor, que D"Indy conhecia muito bem. Kreisler instruiu seus editores a que publicassem essas obras que ele anotara provisoriamente como "Manuscritos Clássicos", como composições originais suas, nos seus catálogos de 1935.

A IRA DOS ESTUDIOSOS
Ficou como um mistério o desenvolvimento do tumulto dessa curiosidade musical que despertou a ira dos estudiosos, quando a "falsa fraude" foi trazida à luz, produzindo grande celeuma nos meios musicais. Apesar dessa ira despertada nos críticos e entendidos, que tiveram que "engulir" a "fraude", o caso Fritz Kreisler foi uma advertência: foi muito fácil imitar o estilo instrumental do "Rococó", porque a maioria dos ouvintes só prestava atenção a sinais exteriores daquele estilo, cheio de ornamentos e arabescos, levando muita gente a reconhecer como "mozartianas", muitas obras do século XVIII.

Fritz Kreisler, homem simples, generoso e alegre e suas músicas, permanecem no repertório atual, como obras excepcionais, e seu exemplo, pode servir até nossos dias como realmente, uma "advertência" a muito "entendido" ou "pseudo erudito" que exista por aí...

Autor Aristides A. J. Makowich       movimento.com
http://iaraalagia.com/conteudo.php?id=169

Quando falamos de falsificações nos vem à mente um quadro que tem sua autoria questionada. Lembramos, por exemplo, da dúvida a respeito da autoria de um suposto quadro de Rembrandt no MASP ou de um trabalho de um pintor que em 1936 foi vendido como um verdadeiro Vermeer (foto).O que gostaria de lembrar é que na música clássica também já atuaram inúmeros falsários, com produtos enganadores que levaram grandes intérpretes a “pagar o mico” de promoverem obras falsas. Eis uma breve lista:

Adagio de Albinoni

Exemplo de uma famosa falsificação musical é um Adagio em sol menor atribuído ao compositor barroco italiano Tomaso Albinoni (1671-1751). Esta partitura apareceu em Milão no ano de 1948, como um movimento perdido de uma sonata em três movimentos. Sua estética que se aproxima mais de um verismo italiano do início do século XX levantou dúvidas dos especialistas desde sua “descoberta”. No entanto o maior defensor da autenticidade, o musicólogo italiano Remo Giazotto (1910-1998), foi quem realmente compôs a chorosa página. Depois de um intrincado e policialesco caso de investigação descobriu-se que seu sonho era colocar Albinoni, por quem era apaixonado, no mesmo patamar de popularidade de Vivaldi e Corelli. O pior desta falsificação é que o famoso maestro Herbert Von Karajan caiu direitinho na armadilha. Gravou a obra mais de uma vez, mesmo sendo alertado que era uma grosseira falsificação.



http://operaeballet.blogspot.com.br/2015/04/falsificacoes-musicais-artigo-de.html#!/2015/04/falsificacoes-musicais-artigo-de.html

Na sua obra Harmonices Mundi (1619), Kepler imaginou um coro no qual Mercúrio, a voz mais aguda, seria o Soprano, Vénus e Terra os Contraltos, Marte o Tenor, enquanto que Júpiter e Saturno, as vozes mais graves, seriam os Baixos. Nesta sua teoria da música celestial, ao planeta Terra correspondia um intervalo musical de meio-tom, que ele associou ao modo eclesiástico de mi (modo frígio), levando-o a concluir que a melodia entoada pela Terra era “mi – fá – mi”. Kepler fazia esta descoberta durante a Guerra dos Trinta Anos, o que o levou a pensar que a Terra produzia um lamento constante, em nome da misere e fami (miséria e fome) que reinavam na altura (nas palavras de Kepler, Tellus canit MI-FA–MI ut vel ex syllaba conjicias, in hoc nostro domicilio Miseriam et Famen obtinere).
http://www.portaldoastronomo.org/tema_19_4.php

O pai do psicodelismo morreu há 100 anos

Houve compositores “normais”, excêntricos e muito excêntricos. E houve Scriabin. O centenário da sua morte é ocasião para abrirmos portas para uma nova dimensão.
O compositor cujo génio vulcânico concebeu uma obra que iria desencadear um cataclismo universal foi impedido, por circunstâncias mesquinhas, de a terminar. Em 1914, quando dava uma série de recitais de piano em Londres, uma borbulha surgira no seu lábio superior. A borbulha desapareceu mas reemergiu após o regresso de Scriabin a Moscovo e desta vez infectou e degenerou em septicemia, causando a sua morte a 27 de Abril de 1915. Acaso a humanidade tivesse consciência do cataclismo que estivera prestes a desencadear-se, teria soltado um suspiro de alívio. Estando em curso um cataclismo “menor”, a I Guerra Mundial, a morte de Scriabin passou despercebida. Mas há que reconhecer que é impossível imaginar um fim menos apropriado para alguém que se julgava um Messias.
http://observador.pt/especiais/o-pai-do-psicadelismo-morreu-ha-100-anos/

Alexander Scriabin interessava-se pelos trabalhos de Nietzsche e pela teosofia, claras influências no seu pensamento musical, revelando-se um especial admirador de filósofos como Delville e Hélène Blavatsky. Foi grande amigo do Conde Lisounenko, que o introduziu no mundo do misticismo. Algum tempo antes de morrer planejou um mega-projeto a que chamou “Misterium”, um trabalho multimédia a ser apresentado nos Himalaias que desencadearia o Armageddon, uma «grandiosa síntese religiosa de todas as artes que faria nascer um novo mundo».
https://pt.wikipedia.org/wiki/Alexander_Scriabin

Mysterium, a música que destruiria o mundo

Muito, mas muito tempo antes dos punks aparecerem com seu niilismo apocalíptico – ou do R.E.M. compor It’s the End of the World as We know it (and I feel fine) –, Alexander Scriabin, um dos compositores russos mais malucos do início do século XX, ansiava encontrar as notas musicais exatas para que sua obra definitiva ganhasse o poder que ele almejava. A composição final, intitulada Mysterium, teria tal força que, ao término de sua única apresentação, ela acabaria com o mundo como o conhecemos, substituindo a raça humana por “seres mais nobres”! Devo confessar que eu adoro esse tipo de história. Ela me remete a um tempo no qual os mistérios do mundo ainda possibilitavam termos uma esperança real que utopias como essa poderiam ser empreendidas. E, mais do que isso, que a arte seria o meio ideal de para que elas acontecessem. Scriabin começou a trabalhar no Mysterium em 1903, passando os doze anos seguintes até a sua morte recolhendo páginas e páginas de esboços tanto para a composição em si, como para todos os demais detalhes da apresentação, os quais eram igualmente importantes para atingir seu objetivo. Da obra final, o que existe para ser ouvido é “apenas” o prelúdio de 2h30 chamado Prefatory Action, que foi finalizado pelo compositor Alexander Nemtin mais de 60 anos após a morte do compositor. É uma pena que a composição de Mysterium não chegou a ser terminada. Talvez ela pudesse ter evitado duas guerras mundiais, inúmeras guerras locais, o Brasil ter perdido de 7 a 1 numa Copa do Mundo e diversas outras tragédias que o nosso planeta assistiu ao longo dos últimos 100 anos.
http://contraversao.com/cgi-sys/suspendedpage.cgi

A obra 4’33’’, é uma composição em três movimentos – sentar em frente ao instrumento, a cronometragem de 4 minutos 33 segundos, e o encerramento. A composição foi criada por Cage no verão de 1952, e foi concebida para ser executada por qualquer instrumento. No mesmo ano Cage a executa, permanece imóvel durante os 4 minutos e 33 segundos, a duração total da obra. Durante o tempo de realização foi a plateia que explorou o som do ambiente, o silêncio que passou a fazer parte da composição.

Cage manteve o mais íntimo contato com os ruídos do mundo. Ruídos transformados em composições musicais, performances, pinturas. Mas ao explorar as possibilidades do silêncio, desde sua estada na câmara anecoica, onde foi possível ouvir os ruídos de seu próprio corpo, podemos propor, assim como Cage, que o silêncio total só pode ser alcançado na ausência da vida.

A composição 4’33’’ de John Cage, tanto nos aproximam dos ruídos do mundo, como nos faz enfrentar o silêncio que há nele, simplesmente o notando, quando este surge.
https://digartdigmedia.wordpress.com/2013/05/19/do-ruido-constante-ao-silencio-impossivel-john-cage-e-433/

O jornal inglês The Independent noticiou no fim da semana uma das disputas judiciais mais estranhas da história da música. Herdeiros do compositor vanguardista americano John Cage, que morreu há dez anos, estão movendo uma ação por plágio contra Mike Batt, produtor do grupo Wombles e da violinista Vanessa Mae. Batt encaixou um trecho de 60 segundos de silêncio entre duas faixas do último disco dos Wombles, The Planets. O silêncio ouvido no álbum soaria, segundo os herdeiros, muito semelhante a 4´33, peça silenciosa composta por Cage no auge de sua carreira. Batt brincou. Disse que recebeu uma carta dos editores de Cage e que a mostrou à sua mãe, que respondeu: "A qual parte do silêncio eles estão se referindo?" A faixa do CD The Planets chama-se Um Minuto de Silêncio. "Meu silêncio é original, não uma citação do silêncio de Cage", arremata Batts.
http://cultura.estadao.com.br/noticias/musica,para-herdeiros-de-john-cage-silencio-e-plagio,20020624p3902

A música noise pode ser relacionada à música industrial, particularmente em seu momento inicial, compartilhando o espírito de independência e experimentalismo, o uso de fontes "não-musicais", e o fascínio pelas qualidades hipnóticas e "mágicas", da própria estrutura do som.
https://pt.wikipedia.org/wiki/Noise

Pintado em 1748 em Leipzig por Elias Gottlob Haussmann , este trabalho teve uma história notável.  Em 1952 pousou nos EUA, onde passou as décadas seguintes na casa de um grande erudito e colecionador de Bach, William H. Scheide , graduado em Princeton e o primeiro musicólogo americano a ser publicado no Bach-Jahrbuch em 1959. Em 2014 Scheide morreu aos 100 anos de idade e, desde que, generosamente, legou o retrato ao Arquivo de Bach, em Leipzig , em junho de 2015, o retrato voltou para casa .  Este é um evento significativo na vida de, não apenas uma obra de arte, mas também uma cultura global.  Como nossa contribuição para o "épico" de Bach, estamos publicando um texto do historiador musical e músico Alexander Maykapar contando a história por trás dessa pintura.

Existem vários retratos de Johann Sebastian Bach que sobreviveram.  Alguns foram pintados durante a sua vida, outros foram concluídos após a morte de Bach, mas nenhum depois do século XVIII.  O foco principal deste discurso será aquele pintado por Elias Haussmann em 1746 , que hoje pode ser visto no museu Altes Rathaus em Leipzig.

As circunstâncias que levaram à criação deste retrato estão ligadas a uma personalidade marcante na história da música e da musicologia.

Em 1738, o aluno de Bach, Lorenz Christoph Mizler (1711-1778), que tinha apenas 30 anos na época, fundou em Leipzig - a cidade onde Bach viveu e trabalhou - a Sociedade de Ciências Musicais , Correspondentende Societät der musicalischen. Wissenschaften (Mizler era um ávido defensor da tradição pitagórica na musicologia, transmitida do Mestre primeiro por Platão e depois por gerações de filósofos. Ele primeiro soube da conexão de Pitágoras com a música enquanto estudava a Musurgia de Atanásio Kircher). Esta foi a primeira sociedade musicológica da Alemanha, e existiu na forma livre de correspondências circulares, sem reuniões oficiais nem sedes. Quatro anos antes disso, Mizler defendeu sua tese de doutorado “Sobre a Relação da Música com a Educação Filosófica” (originalmente publicada em Leipzig em 1734 sob o título Dissertatio, quod Musica Ars sit pars eruditionis Philosophicae, mudada dois anos depois para Dissertatio quod musica Scientia sit et pars eruditionis Philosophicae). Em 1736, o jovem médico anunciou um ciclo de palestras sobre matemática, filosofia e música na Universidade de Leipzig.

As atividades de sua sociedade eram bastante profundas; por exemplo, publicou a revista Musical Library (Musikalische Bibliothek) para leitores interessados ​​em aprender “tudo o que está acontecendo no campo da música e ciências adjacentes”. Além disso, Mizler, que viu os trabalhos da Society como uma nova etapa na música, ordenou uma medalha com uma representação de (como ele mesmo descreveu) “um bebê nu flutuando no alto dos raios de um sol nascente, com uma estrela brilhante na cabeça e uma tocha acesa; ao lado dele, uma andorinha está voando, anunciando o advento de um novo dia na música. ”

Em 1740, dois anos após a fundação da sociedade “virtual” de Mizler, Georg Philip Telemann ingressou em suas fileiras e, em 1745, GF Handel foi eleito membro honorário.

A princípio, Bach, que era bastante indiferente a qualquer tipo de teorização, não tinha intenção de se juntar à Sociedade, embora Mizler estivesse implorando para que isso acontecesse. No entanto, Bach acabou sucumbindo às convicções de Mizler e, como exigiam os estatutos de entrada da sociedade, apresentou variações canônicas no hino de Natal “Vom Himmel hoch da komm itich” (BWV 769) e um triplo cânone em seis vozes, publicado posteriormente no Musikalische Bibliothek. Albert Schweitzer observa que “a posteridade deve uma dívida de gratidão à Sociedade Mizler. Em seu diário de 1754, publicou um obituário sobre Bach que contém o material biográfico mais antigo relacionado a ele”, e em seguida acrescenta: “Ou deveríamos dizer que a Sociedade está em dívida com Bach; se não fosse por ele, quem se lembraria desta antiga associação hoje?

Junto com essas obras musicais, como era também a exigência, Bach contribuiu para a Sociedade em seu retrato no qual ele segura na mão uma das obras submetidas, a “Canon triplex a 6 voc”.

Parece que neste retrato, Bach oferece este cânon para nós decifrarmos: o modo como ele segura a súmula, voltado para o observador, e nos permite lê-lo facilmente.  Todas as três vozes do cânon são escritas pelo próprio compositor, e mesmo nesta forma esta peça já é harmoniosa. Este cânon é chamado de "triplo", porque cada uma das vozes, por sua vez, constitui um tema para um cânone de duas vozes separado. Em outras palavras, encontrando o contraponto correto (ou seja, a melodia apropriada) para cada uma dessas melodias, primeiro obteremos três cânones separados. A única pista que Bach dá são os momentos em que essas vozes precisam começar, mas ainda permanece desconhecido qual das muitas regras existentes precisa ser aplicada a fim de encontrar apenas o contraponto certo.

Não vou dar-lhe um relato detalhado e entediante da busca da solução certa para esse enigma musical (existem cânones que exigiram que várias gerações de músicos fossem finalmente decifrados!);  Só lhe direi que cada um dos temas pressupõe a chamada "resposta especular", isto é, um contraponto em que cada volta da melodia que envolve um certo intervalo em cada uma das vozes precisa ser espelhado pelo mesmo intervalo, definido apenas na direção oposta.

E, finalmente, a coisa mais surpreendente sobre esta peça: todos os três pares de vozes (desde que você os tenha decifrado corretamente) se misturam perfeitamente na emissão simultânea, e não há uma única nota aqui que não esteja de acordo com o modo inicialmente definido para resolver este enigma.

http://www.projectawe.org/blog/2015/9/1/the-13th-canon-portrait-of-js-bach