Música Renascentista e Barroca

A história do açougue eu já ouvi sim, mas me parece improcedente, uma vez que os Esterhazy e outros nobres e arcebispos colecionavam obras mesmo que esquecidas e engavetadas. Talvez coisas sobre a vida de Mendelssohn ajude, pois ele regeu vários Bach pouco conhecidos. Na época de Bach, talvez Telemann tenha sido o mia querido compositor, Haendel depois, depois vários seres estranhos e só lá embaixo, Bach. Mesmo Mozart estranhava a obra de Bach e a conhecia pouco, se não me engano.
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Gente, por favor... A Arte não precisa ser questionada do ponto de vista dogmático, são rumos separados.

As duas Paixões são incríveis, não há como não gostar. Mas eu sou suspeito pra falar de Bach... hehehe Adoro.

Bach foi sem dúvida um grande músico e um grande mestre.

Das composições sacras de Bach a melhor é de texto católico, o Magnificat.
Acho a Missa e as Paixões demasiadamente longas e com muitos recitativos.

Prefiro o Bach orquestral e dos teclados.

Inclusive há uma dissertação defendendo um nova visão para o Magnificat, onde o texto seria uma exultação à vinda do espírito santo e Maria teria um papel secundário.

Isso, segundo o autor da tese, causaria uma re-leitura da obra, enfatizando outros aspectos que não são realçados em muitas interpretações correntes.

Alguém aqui já leu aquela biografia de Bach que dizem ter sido escrita por Anna Magdalena Bach? Eu li, mas tem tantos exageros sobre o Bach que duvidei um pouco de certas coisas que ali encontrei... Algum de vocês poderia se manifestar?

Eu li alguns trechos, transcritos no livro do pai dos pianistas Martins, dedicado a Bach.
É mesmo um exagero certas coisas que ela escreve... bom, mas temos que considerar que aquilo foi escrito por uma mulher apaixonada, né.
O engraçado é que o José Martins, autor do livro "Bach, sua vida e o C.B.T." , escreve do mesmo jeito que a Anna Magdalena, com um incrível fervor religioso.

Dança da Chuva

Schiarazula marazula

S'ciaraciule maraciule , também s'ciarazule marazule , s'ciarazula marazula , s'ciarasula marassula ou scjaraçule maraçule , é uma dança típica do Friuli que se acredita datar de antes de 1500 , com origens que remontam à época medieval .

Numa carta de reclamação à Inquisição em 1624, é relatado que mulheres e homens da cidade friulana de Palazzolo executavam esta dança cantando em dois coros para evocar a chuva . Uma versão escrita desta dança foi encontrada no volume O primeiro livro de danças arranjadas para canto e sonar de todos os tipos de instrumentos de Giorgio Mainerio Parmeggiano, Mestre de Capella da Santa Igreja de Aquilegia , em 1576 .

A canção foi regravada por diversos grupos e autores modernos, como os grupos friulianos La sedon salvadie e Mitili FLK e o cantor e compositor Angelo Branduardi em seu álbum Futuro antico II . O próprio Angelo Branduardi a utilizou como tema principal de sua canção Ballo em Fá sustenido menor incluída em seu álbum La pulce d'acqua de 1977 e esta canção contribuiu significativamente para a difusão e conhecimento desta antiga melodia. Além disso, um projeto de dance music chamado Tampura reviveu Schiarazula marazula para uma música chamada Love in the casbah , lançada em 2000 . A melodia de Schiarazula Marazula também encontra espaço na música Pierre de Grenoble do álbum homônimo (lançado em 1973 ) de Gabriel e Marie Yacoub, fundadores do grupo Malicorne.

As palavras originais da música foram perdidas. Na citada carta de reclamação à Inquisição de 1624 há uma tradução parcial do friuliano para o italiano vernáculo "schiarazzola marazzola ao marido que quero ir embora e o que se segue si como sou uma donzela que choverá esta noite"...

Na segunda metade do século XX , o poeta friuliano Domenico Zannier , não possuindo o texto original da canção renascentista, compôs um novo texto com uma série de assonâncias e absurdos em friuliano:

«Scjaraçule Maraçule o lusigne e o cráculo, o piçule si niçule di polvar a si tacule. O scjaraçule maraçule cu la rucule e la cocule, la fantate je une trapule il fantat un trapulon. (rit: la fantate je une trapule il fantat un trapulon)»

Em italiano

«Scjaracule (pau, bastão) e Maraciule (erva-doce), o vaga-lume e a perereca, o pequenino balança e fica manchado de poeira. O' scjaracule maracule, com o foguete e a noz, a menina é uma armadilha (mentirosa), o menino é uma armadilha.»

Piva

Piva é uma dança renascentista italiana que pode ter se originado de uma dança camponesa com acompanhamento de gaita de foles. Nas fontes do século XV é descrita como a versão mais rápida da basse danse. Antonio Cornazzano, por exemplo, em seu Libro del'arte del danzare (ca. 1455), explica que a música para a piva também se chamava cacciata, estava em compasso quádruplo começando no tempo forte e era duas vezes mais rápida que a música para o baixo dança (Sachs 1937 , 327). O termo surgiu também no século XVI, aplicado a composições para alaúde. As pivas da coleção de alaúdes 1508 de Joan Ambrosio Dalza são peças muito repetitivas em tempo triplo rápido, sem estrutura claramente definida. No entanto, pode não ser correto descrevê-los como sendo em tempo triplo, uma vez que os agrupamentos rítmicos triplos rápidos não representam um compasso cada, mas sim batidas únicas divididas em tercinas, assim como a medida ternaire de Thoinot Arbeau para a basse danse (Sachs 1937 , 327).

A basse danse, ou "dança baixa", era uma dança de corte popular no século XV e início do século XVI, especialmente na corte da Borgonha. A palavra basse descreve a natureza da dança, na qual os parceiros se movem silenciosamente e graciosamente em um movimento lento de deslizamento ou caminhada sem sair do chão, enquanto em danças mais animadas ambos os pés saem do chão em saltos ou saltos. A basse danse foi a precursora da pavana como uma dança processional digna. O termo pode ser aplicado apenas à dança ou à música.

O registro mais antigo de uma basse danse é encontrado em um poema occitano da década de 1320 de Raimon de Cornet, que observa que os joglars as executavam.

A bassa danza é descrita no tratado de dança de Guglielmo Ebreo da Pesaro, no norte da Itália no final do século XV, e por seu amigo Antonio Cornazzano, para quem foi a rainha de todos os compassos de dança, dança baixa a ser contrastada com a alta danza, a dança "alta" ou saltitante chamada saltarello. Na Alemanha tornou-se o Hofdantz.

Thoinot Arbeau usou a basse danse para explicar seu método de notação de dança em sua Orchésographie (1589). A dança foi dançada até 1725, mas foi extinta logo depois pela "alta" técnica de dança do balé.

O compasso geral da basse danse foi elaborado em diferentes sequências nomeadas de passos e movimentos. A medida básica é contada em seis, mas, como a última courante, muitas vezes combina 6/4 e 3/2 vez, usando hemiola para dividir os seis como 3–3 ou 2–2–2. Este ritmo corresponde aos passos básicos da dança. A maior parte da música basse danse está na forma binária, com cada seção repetida.

A basse danse era muitas vezes seguida por um tourdion, devido aos seus tempos contrastantes, e estes eram dançados e compostos em pares em suíte como a "pavane e galliard" e a "alemande e courante".

A música antiga consistia em canções baseadas em um tenor cantus firmus e a duração da coreografia era muitas vezes derivada do verso da canção. Na performance, três ou quatro instrumentistas improvisavam a polifonia baseada neste tenor. Em outros, múltiplas partes foram escritas, embora a escolha da instrumentação tenha sido deixada para os intérpretes.

Os mais famosos, talvez, sejam os baixos danses montados em 1530 por Pierre Attaingnant nas "Attaingnant Dance Prints", que eram para quatro vozes, normalmente improvisados ​​pela adição de embelezamentos melódicos (Attaingnant raramente escrevia ornamentação, embora o fizesse em "Pavin of Albart", um enfeite em "Pavane 'Si je m'en vois'").

Pavana

A pavana é uma dança processional lenta comum na Europa durante o século XVI século (Renascença).

A pavana, cuja música mais antiga conhecida foi publicada em Veneza por Ottaviano Petrucci, na Intabolatura de lauto libro quarto de Joan Ambrosio Dalza em 1508, é uma dança de casal serena e digna, semelhante à basse danse do século XV. A música que a acompanhava parece ter sido originalmente rápida ou moderadamente rápida, mas, como muitas outras danças, tornou-se mais lenta com o tempo (Brown 2001).

A palavra pavane é provavelmente derivada do italiano [danza] padovana (En. Britannica), (Treccani 2016), que significa "[dança] típica de Pádua" (semelhante a Bergamask, "dança de Bérgamo"); pavan é uma antiga forma do norte da Itália para o adjetivo italiano moderno padovano (= de Pádua). Esta origem é consistente com a forma equivalente, Paduana .

Uma explicação alternativa é que deriva do pavón espanhol que significa pavão (Sachs 1937, 356).

Embora a dança seja frequentemente associada à Espanha (Horst 1937 , 7), era "quase certamente de origem italiana" (Brown 2001).

A curva decorosa da pavana combinava com os novos modos cortês, mais sóbrios, de influência espanhola, da Itália do século XVI. Aparece em manuais de dança na Inglaterra, França e Itália .

A popularidade da pavana foi aproximadamente de 1530 a 1676 (Horst 1937, , embora, como dança, já estivesse morrendo no final do século XVI (Brown 2001). Como forma musical, o pavan sobreviveu muito depois do abandono da dança em si, e já no período barroco , quando finalmente deu lugar à sequência allemande / courante (Apel 1988 , 259ss).

Greensleeves (Folhas Verdes)

"Greensleeves" é uma canção folclórica tradicional inglesa. Uma ''broadside'' (folha de papel com poesias ou musicas, tradicional na Grã-Bretanha) chamada "A Newe Northen Dittye of ye Ladye Greene Sleves" foi registrada por Richard Jones na London Stationer Company em setembro de 1580, e a melodia é encontrada em várias fontes do final do século XVI e início do século XVII, tais como o Ballet's MS Lute Book (William Ballet's Lute Book - final do séc. XVI ou início do séc. XVII) e o Het Luitboek van Thysius, bem como vários documentos preservados na Biblioteca Histórica de Seeley na Universidade de Cambridge.

Uma broadside com esse nome foi registrada na London Stationer's Company em setembro de 1580,[1] por Richard Jones, como "A Newe Northen Dittye de ye Ladye Greene Sleves". Seguiram-se mais seis broadsides em menos de um ano, um no mesmo dia, 3 de setembro de 1580 ("Ye Ladie Greene Sleeves answere to Donkyn hir frende" por Edward White), depois em 15 e 18 de setembro (por Henry Carr e novamente por White), 14 de dezembro (Richard Jones novamente), 13 de fevereiro de 1581 (Wiliam Elderton), e agosto de 1581 (terceira contribuição de White, "Greene Sleeves is worne awaie"). Ele aparece então no sobrevivente Um Punhado de Delícias Agradáveis (1584) como "A New Courtly Sonnet of the Lady Green Sleeves".

Há uma crença persistente de que Greensleeves foi composta por Henrique VIII para sua amante e futura rainha consorte Ana Bolena, que supostamente rejeitou as tentativas do rei Henrique de seduzi-la; essa rejeição poderia ser referida na canção quando o escritor diz "me expulsou de forma descortês". No entanto, a peça baseia-se num estilo de composição italiano que só chegou a Inglaterra após a morte de Henrique, tornando-a mais susceptível de ser de origem elizabetana.

https://pt.wikipedia.org/wiki/Greensleeves

Pastime with Good Company

"Passatempo com boa companhia" , também conhecida como "The King's Ballad" ("The Kynges Balade"), é uma canção folclórica inglesa escrita pelo rei Henrique VIII no início do século 16, quando ele tinha vinte e poucos anos, era adolescente ou mesmo mais jovem. É considerada a mais famosa de suas composições, e se tornou uma canção popular na Inglaterra e em outros países europeus durante o Renascimento. Pensa-se que foi escrito para Catarina de Aragão.

Os primeiros anos do reinado de Henrique VIII marcaram um caráter distinto de exuberância e extravagâncias na corte inglesa, possibilitado pela estabilidade política do reino e pela riqueza das finanças do estado. Banquetes e festas reais eram realizados continuamente, assim como esportes e passatempos ao ar livre, como caça, falcoaria e torneios de justas e tiro com arco. O próprio jovem rei era um desportista habilidoso, destacando-se em equitação, tiro com arco, luta livre e tênis de verdade. A canção foi escrita nesse período e apresenta um elogio geral a todos esses entretenimentos e diversões, retratando o estado geral de lazer e despreocupação que prevalecia na corte real da época. Ao mesmo tempo, o texto dá uma justificativa moral para toda essa alegria: a companhia é preferível à ociosidade; pois este último gera vício.

Tal como acontece com todos os homens de nascimento nobre na era da Renascença, esperava-se que Henrique VIII dominasse muitas habilidades, incluindo esgrima, caça, dança, escrever poesia, cantar, tocar e compor música, e foi educado adequadamente como um príncipe. Henry foi considerado um compositor e poeta talentoso por seus contemporâneos.

A música supostamente foi tocada no tribunal, junto com todas as outras composições do rei. Porém, devido à sua melodia simples e cativante, tornou-se uma canção popular e logo depois foi interpretada com frequência em feiras, tabernas e eventos ingleses. Acredita-se também que tenha sido uma das peças musicais favoritas da rainha Isabel I. A canção é referida em diversos documentos e publicações contemporâneas, atestando a sua popularidade, e foi objecto de um grande número de variantes e rearranjos instrumentais por diferentes músicos nos anos seguintes. Na obra de 1548, The Complaynt of Scotland, o autor anônimo menciona "Passetyme with gude companye", como uma das canções populares do reino da Escócia no início do século XVI.

A versão mais antiga conhecida faz parte do Manuscrito de Henrique VIII (c. 1513), uma coleção de 14 obras de sua autoria atualmente preservadas na Biblioteca Britânica (BM Addl. MSS. 31.922; Addl. MSS. 5.665; MSS. Reg. Apêndice 58), que estão assinados: "Pela Mão do Rei". O manuscrito também inclui duas missas, um moteto, um hino, e outras canções e baladas, tanto vocais quanto instrumentais.

"Passatempo com Boa Companhia" continua sendo uma peça favorita nos repertórios corais, e foi gravada em diversas variantes que incluem alaúde, flauta doce, trombone, percussão e flauta, entre outros instrumentos. Por causa de sua distinta melodia do início da Renascença, também foi incluída em diferentes filmes e documentários baseados na figura de Henrique VIII e na era Tudor.

A música também foi tema de inúmeras versões contemporâneas nos últimos tempos. Renomeada como "Past Time with Good Company", foi incluída como a terceira faixa de Under a Violet Moon, o segundo álbum do grupo de folk rock de inspiração renascentista Blackmore's Night. A música também foi tocada pela banda de rock Jethro Tull, e aparece no CD remasterizado Stormwatch e The Best of Acoustic Jethro Tull com o nome "King Henry's Madrigal". A música foi arranjada e tocada pela banda inglesa de rock progressivo / folk Gryphon, aparecendo em seu álbum autointitulado de 1973. Sob o título Mainstream, uma versão eletrônica foi arranjada por Peter Howell do BBC Radiophonic Workshop para o álbum de 1983 The Soundhouse. O primeiro verso da música foi usado como abertura para a música "Legacy of Tudors" da banda de metal sinfônico Serenity em seu álbum de 2013, War of Ages. A banda folk espanhola An Danzza criou sua própria versão desta peça tradicional inglesa em seu álbum "Whispers of the Forest".

O rei Henrique VIII, de dezoito anos, após sua coroação em 1509, por volta da data em que compôs Passatempo com Boa Companhia.

Kemp's Jig

Esta música é estranhamente chamada de jig, embora na verdade não seja um jig pelas definições modernas. É do séc. XVI e talvez a definição de um jig foi mais ampla do que é hoje.

Will Kemp perdeu uma aposta e teve que dançar entre 2 cidades da Inglaterra. Esta peça (talvez de John Dowland) comemora essa façanha.

Kemp era o palhaço favorito de Shakespeare e estreou alguns de seus maiores papéis, especialmente o tolo em Lear.

Will Kemp dançou de Londres a Norwrich. O jig que ele dançou era presumivelmente um Morris Jig ou uma dança solo de Morris.

Will Kempe, segundo em comédia apenas atrás de Dick Tarleton, na verdade levou mais de 9 dias para dançar de Londres a Norwrich, mas apenas porque fez uma pausa para descansar entre os palcos. Os dias de dança foram de fato 9.

Esta música apareceu em "The English Dancing Master", de John Playford, em 1651.
O Kemps jegg em Playford é uma melodia 6/4 menor, bem diferente.
Este tempo de polca 2/4 é realmente tirado de uma tradição morris jig e não tem nada a ver com polcas.

William Kemp



William Kempe ( c. 1560 – c. 1603), comumente referido como Will Kemp, foi um ator e dançarino inglês especializado em papéis cômicos e mais conhecido por ter sido um dos atores de palco originais nos primeiros dramas de William Shakespeare. Os papéis associados ao seu nome podem incluir a grande criação cômica Falstaff e os seus contemporâneos consideraram-no o sucessor do grande palhaço da geração anterior, Richard Tarlton , um dos Queen's Men.

O sucesso e a influência de Kempe foram tais que em dezembro de 1598 ele fazia parte de um núcleo de cinco atores-acionistas do Lord Chamberlain's Men ao lado de Shakespeare e Richard Burbage, mas em pouco tempo (possivelmente após um desentendimento entre os membros da trupe) ele se separou do grupo. Apesar de sua fama como artista e da subsequente intenção de continuar sua carreira, ele parece ter morrido ignorado e na pobreza por volta de 1603.

Em sua época, Kempe era tão famoso por suas apresentações no palco quanto por sua atuação em dramas regulares. O jig, uma espécie de primo rústico da commedia dell'arte, apresentava até cinco artistas em uma rotina de música e dança parcialmente improvisada. Jigs tinha enredos, muitas vezes obscenos, mas a ênfase estava na dança e na comédia física. Dois dos jigs de Kempe sobreviveram em inglês e mais dois em alemão. Exemplos de jigs podem ser vistos na coleção de manuscritos de John Dowland (agora na Biblioteca da Universidade de Cambridge). Um famoso jig do século 17 chamado Kemp's Jig recebeu o nome de Will Kempe e foi publicado no primeiro livro de The English Dancing Master de 1651, de John Playford. A música recebeu uma série de interpretações modernas, incluindo aquelas de Jan Akkerman e Grifo.

The Carman's Whistle

"The Carman's Whistle" é uma canção da era Tudor. O título refere-se à ocupação de “carman” (ou carter, como diríamos hoje). Carmen eram conhecidas pelo hábito de assobiar, que segundo William Chappell era eficaz no manejo dos cavalos. As letras Risqué sobreviveram, incluindo uma versão intitulada "The Courteous Carman and the Amorous Maid: Or, The Carman's Whistle".

Uma versão desta música para alaúde foi atribuída a Robert Johnson ou a seu pai John Johnson. Porém, a versão mais conhecida é um arranjo para teclado de William Byrd, que usou a melodia como base de um conjunto de variações. A peça de Byrd foi incluída em duas das mais importantes coleções de música para teclado da Renascença, My Ladye Nevells Booke e Fitzwilliam Virginal Book. My Lady Nevells Booke é datado de 1591, o que fornece um terminus ante quem para a composição de Byrd.

O Carman's Whistle foi uma obra popular durante a vida de Byrd. Davitt Moroney observa que quase todas as fontes sobreviventes incluem dedilhado, o que sugere que a peça foi usada para fins didáticos. Está em dó maior, geralmente considerada uma tonalidade fácil para tecladistas porque sua armadura de clave não tem sustenidos / bemóis.

Nos séc. XVI e XVII carruagens foram introduzidas na Europa e o comércio de carroceiro ou carman ser desenvolveu.
Esses indivíduos parecem ter sido singularmente famosos por suas habilidades musicais, mais especialmente por assobiar suas melodias.
Várias obras aludem à habilidade musical dos carmen; uma é a Feira de Bartolomeu de Ben Jonson.
Shakespeare fez Falstaff dizer sobre Swalow em Henry IV, que ele "cantou músicas que ouviu o carmen assobiar e jurou que eram suas fantasias ou suas boa-noites".

Mille regretz (Mil arrependimentos)

"Mille regretz" é uma canção francesa do século XV que na sua configuração de 4 partes é geralmente creditada a Josquin des Prez. A versão de Josquin está no modo frígio. Sua simplicidade plangente tornou-o uma base popular para reelaborações (como a configuração em massa de Cristóbal de Morales e a canção 6vv (SATTBB) de Nicolas Gombert), as variações para vihuela conhecidas como "La Canción del Emperador" de Luis de Narváez, bem como conjuntos mais recentes de variações e trenódias. As traduções da música diferem na interpretação das palavras 'fache/face amoureuse' na linha 2 (variadamente 'raiva amorosa' ou 'rosto amoroso').

A autoria do original de Josquin foi contestada.

Dizia-se que a canção era a favorita do rei Carlos I da Espanha.
Carlos V, Sacro Imperador Romano-Germânico (1500 - 1558), rei da Espanha (Castela e Aragão)como Carlos I.

Will Yow Walke the Woods soe Wylde

"Will Yow Walke the Woods soe Wylde" é o título de uma canção da era Tudor, popularmente considerada uma das favoritas de Henrique VIII. O texto completo da canção não sobreviveu, mas continha o breve refrão:

'Devo caminhar pela floresta tão selvagem, vagando, vagando, aqui e ali'.

A melodia da canção pode ser encontrada em diversas composições do período, e parece ter sido popular entre os compositores, talvez por causa de sua melodia alegre no modo lídio, ou porque evocava um clima pastoral nas mentes dos ouvintes contemporâneos.

A canção deu origem a duas importantes obras para teclado do final da era Tudor:

O primeiro foi de William Byrd. Byrd construiu 14 variações da melodia, começando com uma simples apresentação "rústica" do tema e concluindo com uma variação final ricamente polifônica. A composição de Byrd aparece em vários manuscritos, incluindo duas das mais importantes coleções de música para teclado da Renascença, My Ladye Nevells Booke e Fitzwilliam Virginal Book .
A segunda obra para teclado, também incluída no Fitzwilliam Virginal Book, é de Orlando Gibbons e consiste em oito variações lindamente elaboradas da melodia, algumas em estilo altamente virtuoso, outras de maneira contrapontística semelhante em estilo à sua música vocal do mesmo período.

Em 1597, John Dowland publicou uma canção intitulada "Can she excuse my wrongs", que cita a melodia de "Will Yow Walke the Woods soe Wylde". A letra desta canção foi ligada a Robert Devereux, 2º Conde de Essex, e foi interpretada como um apelo pessoal, dirigido à Rainha Elizabeth I, depois que o famoso cortesão caiu em desgraça. A citação musical foi interpretada como uma alusão ao sentimento de isolamento do poeta em relação à corte elisabetana.

Packington's Pound

"Packington's Pound" é uma balada inglesa que remonta, aproximadamente, ao último quartel do século XVI. É mais reconhecido por sua melodia e, de fato, mais músicas foram definidas para "Packington's Pound" do que baladas chamadas "Packington's Pound". Claude Simpson em "The British Broadside Ballad and its Music" escreve: "Esta [Packington's Pound] é a música mais popular associada às baladas antes de 1700." Cópias existentes da balada podem ser encontradas na Biblioteca Huntington, na Biblioteca Pepys e na Biblioteca Nacional da Escócia.

A música "Packington's Pound" é frequentemente atribuída ao alaudista Francis Cutting - embora seu nome não seja encontrado em nenhuma das baladas existentes. O nome pode ter se originado de John Packington - um dos favoritos da corte de Elizabeth I, embora existam outros Packingtons a quem a balada poderia ser atribuída, ainda dentro do domínio da corte de Elizabeth. A história da música sugere que antes de 1700, "Packington's Pound" era uma música mais popular do que "Fortune My Foe" e "Greensleeves".

Um conjunto de variações para teclado ("Pakingtons Pownde") por mão anônima aparece no Fitzwilliam Virginal Book (MU.MS.168), no Virginal Book de Benjamin Cosyn e no Conservatório de Paris MS Res. 1186.

A balada popular "The Cloak" ou "The Ballad of the Cloak: Or, the Cloak's Knavery" é frequentemente cantada ao som de "Packington's Pound".

"Packington's Pound", a música, foi incorporada em muitas peças históricas de muitos dramaturgos bem estabelecidos - "The Beggar's Opera" de John Gay, "Bartholomew Fair" de Ben Jonson e "The Mock Lawyer", de Edward Phillips, para nomear alguns.

Robert Johnson - O alaudista de Shakespeare

Robert Johnson (c. 1583 – 1633) foi um compositor e alaudista inglês do final da era Tudor e do início da era jacobina. Ele às vezes é chamado de "Robert Johnson II" para distingui-lo de um compositor escocês anterior. Johnson trabalhou com William Shakespeare fornecendo música para algumas de suas peças posteriores.

As composições sobreviventes de Johnson para a companhia teatral King's Men foram datadas de 1610-1617. Durante esses anos, os King's Men produziram peças de Shakespeare e outros dramaturgos como Ben Jonson, Francis Beaumont e John Fletcher. A principal reivindicação de fama de Johnson é que ele compôs os cenários originais para algumas das letras de Shakespeare, sendo as mais conhecidas provavelmente as de The Tempest: "Where the Bee Sucks" e "Full Fathom Five". Ele é o único compositor conhecido por ter composto as configurações originais das letras de Shakespeare. Embora existam outras configurações contemporâneas das letras de Shakespeare, por exemplo as de Thomas Morley, não foi provado que elas estejam relacionadas a uma apresentação no palco.

Johnson e o Teatro Blackfriars
A partir de 1608, a companhia King's Men usou o Blackfriars Theatre como base de inverno, e isso pode ter influenciado as canções e a música instrumental exigidas de Johnson. O Blackfriars Theatre, que anteriormente havia sido usado por uma companhia de crianças atuantes/cantoras, ofereceu maior espaço para música incidental em comparação com o Globe Theatre. Uma diferença entre os teatros era que o Blackfriars era um local interno, iluminado por velas que precisavam ser substituídas entre os atos. Apresentava música entre os atos, uma prática que a indução a The Malcontent de Marston (publicado em 1604) indica que não era comum nos teatros públicos da época. A Tempestade de Shakespeare (por volta de 1610), em que as direções do palco exigem música e efeitos sonoros, é um exemplo de peça que pode ter sido escrita para apresentação em Blackfriars. No entanto, a companhia continuou a se apresentar no The Globe e em outros locais, como o tribunal, onde a música teatral de Johnson provavelmente também teria sido ouvida.

My Robin is to the greenwood gone / Bonny Sweet Robin

"My Robin is to the greenwood" ou "Bonny Sweet Robin" é uma canção popular inglesa da Renascença.

A partitura mais antiga existente da balada aparece no Lute Book de William Ballet (c. 1600) como "Robin Hood desapareceu para a floresta verde". As referências à canção podem ser datadas de 1586, em uma carta de Sir Walter Raleigh para Robert Dudley, primeiro conde de Leicester, dizendo "A Rainha está em boas relações com você agora e, graças a Deus, irá fique pacificado e você será novamente seu doce Robin."

Embora as palavras tenham sido perdidas, suspeita-se que a personagem Ophelia, que é especificada na versão Primeiro Quarto de Hamlet como alaudista, canta a última linha da música ("For bonny sweet Robin is all my joy") durante sua loucura ( Hamlet 4.5/210 ). Alguns estudiosos acreditam que a escolha da canção por Shakespeare pretendia invocar o simbolismo fálico.


Como era comum durante o Renascimento, muitos compositores escreveram variações ou divisões baseadas na peça. Dois conjuntos de variações podem ser encontrados no Fitzwilliam Virginal Book, um de John Munday e outro de Giles Farnaby.

A obra era comumente definida para alaúde. Aparece duas vezes no livro de alaúde de William Ballet, no livro Pickering Lute, em Cittharn Schoole de Anthony Holborne (1597) e em Schoole of Musicke de Thomas Robinson (1603). Existe também um manuscrito do cenário de John Dowland.

A melodia também era frequentemente usada para outros textos, tais baladas podem ser encontradas nas Roxburghe Ballads e em The Crown Garden of Golden Roses, e foi usada como tal no século 18 em Music for the Tea Table Miscellany (1725).

Mais recentemente, a canção inspirou as "divagações na sala de música" de Percy Grainger (como ele a descreveu), para as quais ele escreveu três instrumentações: piano solo; violino, violoncelo e piano; e cordas, flauta e trompa inglesa.

Fitzwilliam Virginal Book

A era renascentista viu o desenvolvimento da música para teclado, particularmente no séc. XVI.

O Fitzwilliam Virginal Book é considerado uma das publicações mas significativas da história da música datado do início do séc. XVII. Diz-se que provavelmente foi compilado por um músico amador chamado Francis Tregian. Ele contém cerca de 300 obras e recebeu o nome do Visconde Fitzwilliam, que generosamente doou a coleção para a Universidade de Cambridge em 1816. Entre a coleção estava "The Carman's Whistle" de William Byrd. O tema é baseado em uma canção popular do séc. XVI, descrevendo trabalhadores que transportavam mercadorias entre fazendas e mercados, talvez assobiando enquanto trabalhavam.

Querelle des Bouffons

Querelle des Bouffons (em português: Querela dos Bufões, Controvérsia dos Bobos, Guerra dos Bufões, entre muitas variantes) foi uma controvérsia parisiense que opôs durante os anos 1752-1754 os defensores da música francesa, apoiantes de Jean-Philippe Rameau («coin du Roi»), aos partidários de um alargamento dos horizontes musicais, reunidos em torno do filósofo e músico Jean-Jacques Rousseau («coin de la Reine»), partidários da italianização da ópera francesa.

Rameau foi acusado de estar ultrapassado, e a sua música de ser demasiado complicada demais, em comparação com a "simplicidade" e "naturalidade" da ópera cómica La Serva Padrona, de Pergolesi. Em meados de 1750 Rameau criticou os verbetes sobre música que Rousseau tinha escrito para a Encyclopédie, levando a uma disputa com os filósofos D'Alembert e Diderot.

A querela rebentou em 1 de agosto de 1752, quando uma troupe itinerante italiana, a de Eustacchio Bambini, se instalou na «Académie royale de musique» (futura Ópera de Paris) para aí representar «intermezzi» e «opéras bouffes». Debutaram com a representação de uma obra de Pergolesi, La serva padrona, que já tinha sido apresentada em Paris em 1746 sem atrair a menor atenção. Foi o fato de ter sido apresentada na «Académie royale» que suscitou o escândalo: a «Académie royale» não tinha a flexibilidade da «Comédie-Française», onde se podiam alternar sem problemas tragédias com comédias ou farsas de Molière. O cômico, na «Académie royale», tinha estado sempre bastante limitado.

No século XVIII, a ópera italiana tinha evoluído muito mais rapidamente que a «tragédie lyrique» ou tragédie en musique (um gênero tipicamente francês) até se apresentar em dois gêneros: a opera seria — com temas sérios segundo libretos de Metastasio — e a «opera buffa» ou «opera comique» (buffo, que provoca riso, grotesco) que introduziu no teatro intermèdes cômicos impregnados de ligeireza, inocência e simplicidade, que dão lugar ao irracional e à trivialidade do quotidiano.

Se o «ballet bouffon» — que poderia representar uma obra de Rameau como Platée (1745), uma «tragédie en musique» — dava já lugar aos elementos cômicos (dissonâncias em «oi» imitando o canto das rãs, etc.), era-o enquanto elemento de paródia do gênero. Essa peça, de fato, ocupava um lugar marginal até ao rebentar da querela. Pelo contrário, a «opera buffa» não se contentava em parodiar o gênero sério, mas produzia já um tipo de comicidade original, muito popular e bastante próximo da farsa e da comédia de máscaras.

O êxito inesperado destes «bufões» dividiu a comunidade musical parisiense em dois clãs: por um lado, os partidários da «tragédie lyrique», da corte do rei, representante do estilo francês; por outro, os simpatizantes da «opera buffa», truculentos defensores da música italiana. Entre eles nasceria uma verdadeira querela panfletária que animaria os círculos musicais da capital francesa até 1754.

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